(この記事は、第210号のメールマガジンに掲載されたものです)

今回の「たのしい音楽小話」は、音楽を専門に勉強することについてのお話です。

東京芸術大学の学生さんの事を、略して芸大生と呼びますが、芸大生がどのような学生生活を送っているのか書いた本があり読んでみました。

東京芸術大学は、音楽を専門に勉強する人にとって、日本で最高峰にして最難関の学校です。

ピアニストの園田高弘さんや小山実稚恵さん、フジコ・ヘミングさん、舘野泉さん、若林顕さんなども、かつて東京芸術大学で学びました。

その他にも、ヴァイオリニストの葉加瀬太郎さんやサクソフォン奏者の須川展也さん、歌手の安田祥子さん(由紀さおりさんのお姉さん)、作曲家の瀧廉太郎さんや團伊玖磨さん、山田耕筰さん、中田喜直さん、芥川也寸志さん、指揮者では山本直純さんや小林研一郎さんなど、書ききれないほどの有名人がすらりと並びます。

通常、音楽を専門に学ぶ音楽大学は、その名の通り音楽だけの単科大学である事がほとんどですが、芸大の場合、美術系の学部があるのも大きな特徴と言えます。平山郁夫さんや横山大観さん、岡本太郎さんなど日本の美術界の巨匠と呼ばれた方々もここで学びました。

さて、芸大生のうち、音校と呼ばれる音楽学部の学生は、どのような人たちなのでしょうか? 芸大生でなくても、そもそも音大の学生は、どのような感じの人達で、どのような学生生活を送っているのか謎ですよね。

まず、入学に関してですが、入学前から芸大の教授や、元教授などに習っている事が当たり前のようです。

これは芸大に限った話ではないのですが、入りたい音大の先生にあらかじめ習う事は本当に多く、むしろそうでない方は、ほとんどいないくらいです。

ただ、小さい頃からずっとそのような先生に習う事は難しいので、今習っている先生から紹介していただくとか、夏期講習会などのレッスンでご縁を作っておき、そのツテを利用したりします。

地方に住んでいる場合、受験の何年も前から、大都市に住んでいる先生のレッスンを受けるため、新幹線などで通う事も珍しくありません。

レッスンも月謝ではなく、レッスン1回でいくらという形で、交通費にレッスン代と経済的負担は大きくなります。それでも、親御さん自身が芸大に憧れていて、自分は入れなかったから、せめて子供にはという思いもあるのかもしれません。

ピアノやヴァイオリンは、2・3歳から始めることがとても多く、小学校入学くらいから始めると、スタートが遅くてハンデがあると言われるくらいです。

そして、芸大入学前には、有名なコンクールで上位を取る常連だったり、既にコンサートでお客さんを呼べるくらいの人たちも珍しくありません。

ちなみに、入学前から芸大の教授などに習うということは、芸大に入るためにはコネが必要という訳ではありません。

芸大という最難関の学校に入る為には、高度な演奏技術が必要で、その高い技術を身に付けるためには、そのようなレベルの先生に習う必要があり、そのような先生は最難関の芸大に多くいらっしゃるという事のようです。

入学試験では、自分が指導している生徒を審査することは出来ないようなので、公平性は保たれているようです。

個人的な感想ですが、自分が果たせなかった夢を子供に託すというのは、一見美しい話に聞こえますが、危険な面もあるのではないかと思っています。

お子様に対する親御さんの本気度という面では素晴らしく、音楽教室でも、親御さんの熱心さがお子様の上達に大きく影響している事は、多くの講師と意見が一致するところです。

しかし、子供の意思をくみ取り、その個性を伸ばす事よりも、自分の夢を押し付ける事に注力することにもなりかねません。子供は、親の期待に応えようとしますので、そうなる可能性は高いでしょう。

現に、芸大に入って才能も抜群だった人が、卒業後「義理を果たした」と言って、楽器をキッパリと辞めてしまった例もあるようです。

とても小さい頃からピアノや音楽を習わせる場合、お子様自身が、「やってみたい」と言える年齢ではない場合も多いのです。

きっかけは、親御さんの「音楽をやってみたら?」「ピアノを習ってみたら?」という事であっても、お子様が「やらされている」という気持ちではなく、楽しいから音楽を勉強しているとか、好きだからピアノを弾いているという気持ちになってもらう事の大切さを改めて感じました。

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(この記事は、第209号のメールマガジンに掲載されたものです)

今回の「たのしい音楽小話」は、人と音楽の結びつきについてのお話です。

ピアノのレッスンの時にも、曲を書いた作曲家や当時の時代背景の話をすることがありますし、クラシック音楽の楽譜やコンサートなどの解説にも歴史に関わる事がよく書かれています。

音楽史と言われるもので、音楽大学などでも授業の一つに組み込まれています。

クラッシック音楽のスタートは、グレゴリオ聖歌と呼ばれるもので、キリスト教の宗教音楽です。

グレゴリオ聖歌は、グレゴリウス1世という当時の教皇が、いろいろな地域で歌われていた教会の典礼のための聖歌を、楽譜に残し曲集としてまとめたものです。

現在の楽譜と異なり、4本の線を用いて、四角い音符を使用した楽譜となっており、一つのメロディーだけで作られた音楽なので、全員が一斉に同じメロディーを歌う音楽になっています。

その後、パリの観光名所としても有名なノートルダム大聖堂を中心に活躍した人々(ノートルダム楽派)が、複数のメロディーから出来た音楽を生み出していったのだそうです。

これが、ポリフォニー音楽と呼ばれるもので、バッハに代表されるようなバロック期の作品と同じ作りになっています。

いつも、みんなで同じメロディーを歌っているので、なにか変化が欲しくなり、「はもる」という事が生まれたのかもしれませんね。

ここまでは、クラシック音楽の成り立ちですが、音楽そのものは、グレゴリオ聖歌が誕生するもっと前から存在していたわけで、起源がどこになるのかも定かではありません。

西洋音楽の起源は、さかのぼると古代ギリシャ辺りだそうですが、西洋以外の東洋やアフリカ大陸、アメリカ大陸などにも、音楽はそれぞれ古代から存在していました。

実はもっとさかのぼり、人類の起源に登場してくるネアンデルタール人も、歌を歌っていたと言われています。まだ言語を持っていない状態で、歌を歌っていたとは驚きですね。

歌を歌う事で、コミュニケーションを取っていたらしいのですが、やがて後に登場する人類(現在の私達の祖先)が言語を持ち始めたので、何かを伝える意志疎通には言語を使用し、感情表現は歌を使用するように使い分けていったという説もあります。

人の赤ちゃんは、母体の中で人類の進化と同じような過程を経て誕生すると言われますが、言語は理解できなくても音楽には反応するという特性は、その表れなのかもしれません。

私達が今日、楽器を演奏したり音楽を聴いて楽しむのは、人類誕生の時から、生活の一部として結び付きがあったのですね。

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(この記事は、第208号のメールマガジンに掲載されたものです)

今回は、お子様のコンサートのお話です。

毎年夏に、大学生までが対象のオーディションが開催されます。

お子様の夏の発表会が終わった頃のタイミングで行われるのですが、課題曲が無く自由曲1曲のみなので、発表会の曲をそのまま使用できる事もあり、お手軽に参加できるオーディションと言えます。

オーディションなので審査があり、合格した人だけがコンサートに出演することができます。

オーディションは、夏休み中に3日間かけて行われ、私も審査員として参加しました。

私が見させていただいている生徒さんもチャレンジしましたが、なかなか健闘され、グループ内トップの成績で通過して合格となりました。

近年のコンクールでは当たり前になってきましたが、審査員から直筆のコメントがもらえますので、オーディションで合格してコンサートに出演したいというお気持ちと同時に、色々な先生からのコメントを貰いたいという目的も参加者にはあるようです。

オーディションに合格した生徒さんには、コンクールまでの間に公開レッスンに参加できる特典が付きます。

普段と異なる場所で、初めて見る先生のレッスンを受けられるというもので、生徒さんは緊張しつつも、すぐに適応してレッスン内でグングン上達していきます。

レッスンを行う立場としても、事前に少し生徒さんの事は聞きますが、生徒さんとの距離感の取り方から、どのくらい踏み込んでよいのか、どのような言葉をかけると有効なのか、常に考えながらレッスンを行いますので結構難しい所もあります。

しかし、アドバイスに直ちに反応して、癖が改善されたり演奏が生き生きとしてきたりと、変化が現れると嬉しいものです。

そして先日、そのオーディションに合格した生徒さんの披露コンサートが行われました。

それまでは少し暑いくらいの日々でしたが、当日は急に冷え込んだので、出演した生徒さんは、手を冷やさないように気を遣っていたと思います。

僅かな時間でしたが、リハーサルを行い、ホールでの音の響き方やピアノの弾き心地などを掴み、本番が始まりました。

今回出演された生徒さんは、小学校入学前のお子様から大学生までです。

コンサートでも、演奏のコメントが貰えることになっており、私はコメントを書く立場として参加しました。

春くらいからずっと練習してきた曲という事もあり、また公開レッスンで刺激を受けて練習を積んできた演奏という事もあり、よく弾き込んできたという印象を受けました。

長い間練習をしてきて、飽きてしまった事もあると思いますが、そのような雰囲気で弾いていた方は誰もいませんでした。

ミスがあった方もいましたが、練習不足が原因のミスではなく、緊張してコントロールが上手に出来なかったミスなので、演奏自体の安定感はとても感じました。

よく弾き込まれた演奏は、音楽に安定感や深みを感じるもので、ワインの熟成などと同じかもしれません。しかし、そこに新しく出会ったような新鮮さも欲しいところですが。

発表会やコンサートで、大人の生徒さんは、黒系などのシックな装いをされる方がとても多いのですが、お子様や学生さん方は、華やかな衣装を身に着けられる方が多くなります。

今回のコンサートも、色とりどりのドレスを着た参加者で、とても華やかなステージになりました。

衣装だけでなく、頭部にもキラキラ光るアクセサリーやお花を飾っている生徒さんもいました。

ピアノを人前で弾く場合、お客さんには、右側を向けてピアノを弾くことになりますので、何か飾りを付ける時には右側につけると綺麗に見えますが、みなさん、きちんと心得ているようで、演奏している時に飾りがきれいに見えていました。

演奏を聴きながらコメントを書いていたので、ゆっくりと聴く感じではなかったのですが、それでも十分に楽しむことが出来ました。

コメントには、良かったところをたくさん書きつつ、今後に繋がるようなアドバイスも書きました。

人前でピアノを弾く時には、演奏が一番大事ですが、舞台での立ち振る舞いも大切なもので、見ている側としては色々と気になるものです。

当の本人は、至って普通にしているつもりで、気が付かないことも多いようなので、コメントにはこれらの立ち振る舞いについても書いておきました。

これまで多くの発表会やコンサートを見てきましたが、よく気になる点としては、歩き方とドレスを着た時の立ち振る舞いが挙げられます。

歩き方というのは、スピードと姿勢です。

例えば、結構早く歩いてしまうと、なんだか急いでいるような印象になってしまい、あまりきれいに見えません。かといって、ゆっくりが良いのかというと、それもやりすぎると気になるものです。

普段よりも若干ゆっくり目で、必要以上に手を振らないように歩くと綺麗なのかなあと思っています。

また、さすがに腰を曲げて歩く方はいませんが、時々前傾姿勢になってしまう方がいますので、まっすぐ立つことも大切ですね。

次に、ドレスを着る女性の場合、普段ロングドレスは着慣れていない事もあり、裾を持ち上げ過ぎてしまう方が実はかなり多いので、気を付けたほうがよいでしょう。

ロングドレスを着て歩く際に、裾を踏んで転んでしまう事を避けるため、裾を持ち上げるわけですが、そもそも裾が床につかない長さなのに持ち上げてしまう方もいます。裾を持つのは、床に裾が付く長さからという事になります。

また、裾を持つ時に、両手でバッと掴んで足首や足の脛が見えるくらいまで持ち上げる必要はありません。歩く時に足が床から少し離れますが、その時に踏まないように、裾を持ち上げるだけなので、片手で少し持ち上げるだけで実は大丈夫なのです。

先程もお話しましたが、お客さんに対して右側が見えるので、見えにくい左手だけで、裾を持つとスマートですね。

せっかくステキな衣装を着ている訳ですから、それに見合うような動きもしたいものです。

自分自身を振り返っても、レッスンの中で、本番が近づくとお辞儀を少し練習したり、衣装について多少お話はしますが、歩き方やドレスを着た時の立ち振る舞いについては、特にお話していなかったことに気が付きました。

コメントを書きつつ、私も次回からは、本番前の生徒さんに、きちんとお話をして練習するようにしたいと思いました。

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